Stefan Lux

Dichte Kammer / Fox Cut  

1 Feb - 14 Feb 2020



opening  31Jan 2020    19 - 22 Uhr

 

Fragmentary Thoughts on Stefan Lux’s „Dichte Kammer Fox Cut“ (2020)

Record and Remember 1:
On September 1st, 1953 at the age of 27, Henry Gustav Molaison undergoes brain surgery in the hospital of Hartford, Connecticut. The reason for the surgery is severe epilepsy from which Molaison has suffered ever since his childhood. The neurosurgeon removes a piece of temporal lobe in both cerebral hemispheres. The seizures occur less often but from then on, Molaison suffers from anterograde amnesia. His long-term memory is still intact, however his brain is no longer capable of saving new information. Trapped in memories. Forever 27!

Record and Remember 2:
In 1981, William Gibson’s short story “Johnny Mnemonic” is published. In 1995, its screen version of the same name [German version titled “Vernetzt – Johnny Mnemonic”] is released in the cinema. It drafts a world in the year 2021. Here, high-tech industry and hackers are in charge. Johnny is a “mnemonic courier”. To implant a data storage device required for this job in his brain he has to give up parts of his memory. A highly explosive mission puts Johnny’s life in danger. Not only because both corporations and the underworld are after the data but also because the data overload in his brain threatens to blast it. Too much information can be lethal!

Record and Remember 3:
In 2019, Instagram counts 1 billion users worldwide. Of these, around 500 million actively use it every day. Between 2010 and 2016, more than 40 billion photos were shared on this platform. That’s an average of around 80 million pictures per day – Instastories and videos not counted. Instagram: the site where our memories will be stored in future?

Record and Remember 4:
Already in 2014, Vienna-based artist Stefan Lux starts to record everyday impressions on video and arrange them chronologically. Lux is a registrar of casual and random moments. His project that, thanks to its spatio-temporal unfolding, ruptures the logic of conventional storytelling is titled “Dichte Kammer” [Closed Chamber]. “Dichte Kammer” is stream of consciousness, inner monologue, Écriture automatique. The gaze falls on developed and undeveloped landscapes, rooms, along their floors and walls, onto objects, and fragmentary, more or less recognizable details. Now and then an animal. A cat. My cat! Alternating camera perspectives, monochrome cross-fades, fade-in and fade-outs, streams of images, edits, montages at a varying pace from a flash of insight to dwelling briefly – in total, an incredible abundance of impressions. Sensory overload? Depends on the individual condition…
Record and Remember 5:
Dichte Kammer / closed chamber 04.10.2016 19' 29"
Dichte Kammer / closed chamber 03.05.2017 25' 06"
Dichte Kammer / closed chamber 29.12.2017 40' 57"
Dichte Kammer / closed chamber 30.05.2018 53' 20"
Dichte Kammer / closed chamber 05.10.2018 53' 40"
Dichte Kammer / closed chamber 12.04.2019 57' 43"

TO BE CONTINUED, EXTENDED & REVISED

Dichte Kammer deals with compiling and structuring image collections as memory reservoirs” (the artist in an email to the author of this text on Friday, 10th January, 2020, 12:35 a.m.).

Record and Remember 6:
Which memory flashes through one’s mind when thinking of something experienced? Which image does the memory reservoir release?

White light, fade-in: People in an art space attending a lecture accompanied by images and a musical backdrop. Parts of the event not captured in the camera frame appear in the reflections on a glass windowpane. Fade-out.
White light, fade-in: People in an art space observe people in an art space who are attending a lecture accompanied by images and a musical backdrop. Parts of the event in the art space with the people who are attending a lecture accompanied by images and a musical backdrop, and which the camera perspective doesn’t capture directly, appear in the reflections on a glass windowpane of the art space, which is not the art space, in which people observe people in an art space who are attending a lecture accompanied by images and a musical backdrop and where parts of the event…. Fade-out.
People in an art space observing people in an art space, who are attending a lecture accompanied by images… and so on are reflected in a window of the art space, namely that one, in which people observe people in an art space who are attending a lecture… and so on. – “Dichte Kammer Fox Cut” (2020). RECORD, SAVE, TO BE CONTINUED!



Manisha Jothady, January 2020
[Translation: Jeanette Pacher]

 

 






 





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Mit der freundlichen Unterstützung von:



 
Ulla Rossek

30.11. - 20.12. 2019
opening 25. 10. 2019    18 - 21 Uhr

 

 












In his book, “Das Geld im Talmud” [Money in the Talmud] (1930), money scientist Simcha Ejges examines the parts in the Talmud that relate to money. Dating back to the 1st to 5th centuries of our calendar system, they describe debates at rabbinic academies about how to apply the sacred scripture to everyday life, including how to deal with money that was on the edge of “pervading all aspects of life.”
The Talmudic examination of money is considered as grounded in the era of the Roman Empire. The entire coinage was under Roman control. Gold, silver, copper and brass coins were issued as currency. Brisk trading prevailed in the Roman Empire, where a large number of coin names and species circulated. With each new emperor, Roman coins were re-coined. The increasing number of alloy layers caused a huge rise in demand for money. Nero, for instance, determined that the weight of popular coins such as Aureus (gold coin) and Denarius (silver denarius) be reduced, which resulted in a change of the exchange rates of coin metals. 
But what, in fact, defines these coins as money?
According to the Talmud, an official proclamation alone is not sufficient to convert coins into actual money; this also requires the population’s approval. Provided that the barterers decide to accept the money, this allows it to circulate. Due to its being passed from one to another in barter, a currency receives its “circulation capacity” and thus its money form (cash). When the velocity of money suffers a loss, it becomes “bad” money, and in fact forfeits its nature as money. The non-use disrupts the circulation capacity of money and demonetizes a currency on the part of the population.
The severe punishment that Chinese emperor Kublai Khan (1212–1294) inflicted in case of rejecting his money shows just how dangerous a currency’s non-use can be for the sovereign who issues the money. He was the first one to introduce a paper currency, something that had no intrinsic value whatsoever. Under penalty of death, the people were forced to accept the banknotes in exchange for their goods. As a result, it was guaranteed that they again could be exchanged throughout the empire. The paper currency put into circulation under constraint worked as long as the amount of issued money didn’t exceed the reserves of silver and silk invested to serve as collateral. The exorbitant amount of money printed by the state to raise its own funds, however, caused inflations, which ultimately resulted in the elimination of the first paper money.   
Another reason for a coin getting a bad reputation among barters is, according to the Talmud, the rejection of the embossing that attracts one’s attention when dealing with this money. The embossed symbols should serve for identification and contribute to the population’s belief in the stability of the currency’s potency. When an embossing is met with disapproval, however, the circulation capacity of a currency is impaired.

Ulla Rossek
Translation: Janet Pacher











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Daniela Zeilinger

Mirage,mirage
26.10. - 15.11. 2019

opening 25. 10. 2019    18 - 21 Uhr

 
 
 
Daniela Zeilinger

mirage, mirage




Von Naturwegen diktiert, zeigt sich die „mirage“ als trügerische Annahme einer fiktionalen Wirklichkeit, ähnlich eines Betrugs, der durch wechselhafte Luftschichten unterschiedlichster Temperaturen entsteht und einst die Legende des „Flying Dutchman“ – ein Nährboden für künstlerische Produktionen und übersteigerten Pathos – schuf.

Ohne Zweifel forciert die „mirage“ Wirklichkeiten subjektiver, aber auch kreativer Wahrnehmungen, deren Infragestellung unvermeidlich ist.

Eine konkurrierende Beziehung zwischen wahnhaft, künstlerischer Interpretation und wissenschaftlicher Wahrhaftigkeit, die auch das polarisierende und historische Verhältnis zwischen Fotografie und Malerei prägte.



Wo Malerei als Fiktion galt, erschien die Fotografie als Dokumentation, um in kritischer Auseinandersetzung neue Repräsentationsformen von Wirklichkeiten auszutragen.

Obwohl sich dieses Verhältnis weitgehend gewandelt hat, befragt Daniela Zeilinger die Grenzziehung zwischen der Fotografie, als visuelle Wirklichkeitsdarstellung und der Malerei, als künstlerisches Werk der Imagination, in schichtweisen Arbeitsprozessen, die selbst einer „mirage“ gleichzusetzen sind.



Intuitive Zeichenschritte, sowie technische Zugänge der analogen und digitalen Fotografie bilden den Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Arbeit und ermöglichen ein breites Spektrum an Hybridbildungen von Fotografie und Malerei, deren Realitätsbezug weder in direkter Abbildung, noch in freier Interpretation besteht.

Ein manipulativ angelegter Schattenwurf, inszenierte Überlagerungen und mehrfache Bildreproduktionen bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Abstraktion und realer Bildkonstruktion. Fragmente der Malerei bilden sich in der Fotografie ab, während farbige Aspekte fast gänzlich ausgelassen oder durch technische Störbilder ersetzt werden, sowie minimal gehalten zur Kenntnisnahme zwingen.



Sukzessiv nähert sich die Künstlerin der Frage nach dem Potenzial der Konnexion von Malerei und Fotografie, wobei letztlich erst das schlussendliche Abbild ihres fotografischen Reproduktionsprozesses das Zusammenspiel von Intuition und Technik in eine ausgewogene Gesamtkomposition übersetzt und das Werk schafft.

Gleich einer „mirage“ manifestiert sich die Frage nach der Wirklichkeit der bildlichen Darstellungen, die mit subtilen Verweisen offenbart oder durch ein Schwarzweiß Verfahren gar ganz verschlossen bleiben können. Deutlich bleiben nur die Übersetzungs- und Transformationsprozesse der Künstlerin, die die Bedingungen der Hervorbringung von Bildern auf malerischer, digitaler und analoger Ebene zu hinterfragen versucht.



Daniela Zeilingers Werke operieren an verschwommenen Übergängen zwischen realer Darstellung, sowie der Täuschung und Wiedererkennung von Malerei und Fotografie, während beide Medien miteinander in Kombination gebracht werden, um dessen symbiotischen Zusammenschluss, sowie deren ästhetischen Eigenschaften zu verdeutlichen.



– Alexandra-Maria Toth








                                                Foto: D. Zeilinger






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Nadim Vardag

Neue Ordnung
14.09. - 04.10. 2019

opening 13. 09. 2019    18 - 21 Uhr

 
 
 
:D



Wenn auf Alte Muster, die letztjährige Ausstellung von Nadim Vardag in der Georg Kargl Box, nun eine Schau mit dem Titel Neue Ordnung folgt, ist es beinahe unmöglich der Versuchung zu widerstehen, dies als eine Form der ‚Titelpolitik’ zu interpretieren. Kein Wunder, gehören doch Titel – und all die anderen, sozusagen rituellen, Begleiter von Ausstellungen wie Einladungskarten, Poster oder Pressetexte samt der demonstrativen Nennung von Künstlernamen – zum festen Inventar dessen, was Alexander Alberro anhand der konzeptuellen Projekte der Künstler um Seth Siegelaub Ende der 1960er Jahre im Nachhinein als politics of publicity beschrieben hat. Nicht, dass es damit sein Bewenden gehabt hätte. Im Gegenteil hat sich die Situation heute dahingehend sogar noch verschärft, indem die einst instrumentellen politics of publicity unter aufmerksamkeitsökonomischem Druck insgesamt an die Stelle der Kunst, vom sekundären Rang auf den ersten Platz gerückt und somit substanziell geworden  sind. Die Kunst als System wurde damit zur visuellen Kommunikation, Kunstwerke manifestieren sich als Grafikdesign und social media-Kanäle flankieren diesen Zustand als eine neue Form individuellen Expressionismus’.  

Nadim Vardag weiß über solche Zusammenhänge natürlich Bescheid. Umso perfider allerdings, dass ich bisher keinen Weg gefunden habe, seinem veröffentlichungspolitischen Manöver nicht auf den Leim zu gehen. Dass ich die beiden Titel Alte Muster und Neue Ordnung entsprechend also im Sinne einer Entwicklungslogik lese, bei der aufs ‚Alte’ bekanntlich meist das ‚Neue’ folgt – wobei Neues in der aktuellen Ära des vielbeschworen Disruptiven nicht zwangsläufig Fortschritt sondern geradezu annoyingly oft Regression bedeutet: bei Start-ups und in der Kunst.

Und auch der Schritt vom ‚Muster’ zur ‚Ordnung’ macht mich nicht glücklicher, auch wenn dieser Schritt eine wesentlich vielversprechendere Form der Entwicklung als die von ‚alt’ nach ‚neu’ birgt. Musik ist nämlich dann drin, wenn sich ein kategorialer Lagenwechsel anzeigt. Selbst wenn wir uns in einem semantisch immer noch einigermaßen kohärenten Feld aufhalten, mögen Muster zwar, um als solche identifiziert werden zu können, Ordnungen folgen aber nicht jede Ordnung lässt automatisch auf ihr Muster durchblicken. Doch wer, außer Profilern, blickt da noch durch?

Die aktuelle Ausstellung im FOX bringt (nicht ganz so) Altes – druckgrafische Arbeiten mit dem Motiv des ‚Knotens’, gewebe- oder eben knotenartigen Strukturen, die in ähnlicher, älterer Form schon in der Box zu sehen waren – mit neuen Arbeiten zusammen, die – wie es sogenannte ungegenständliche Kunst gerne ist – sich nicht entscheiden mögen, ob sie nun lieber ‚Bild’ oder ‚Objekt’ sind und jedenfalls aus Material gemacht wurden, das üblicherweise Bilder von ihrer Umgebung abzugrenzen hilft: Rahmenleisten nämlich. Das ist in line mit früheren Arbeiten Vardags, die ins Zentrum des künstlerischen Geschehens geholt haben, was üblicherweise eher an dessen Peripherie und da an der Außenkante zur Kunst liegt: Verpackungskisten etwa, Stell- und Hängevorrichtungen, die uns gezeigt haben, was alles immer schon den Blick mitkonditioniert hat, wenn der oder die Sehende denkt, gerade Kunst gespottet zu haben. Nachdem Disruption, wie gezeigt, allerdings nicht automatisch Progression bedeutet, kann das als Akt und Verweis sehr wohl immer noch lustig sein, speziell, wenn man das prekäre Verhältnis von Muster und Ordnung nicht aus dem Auge verliert.


Text: Hans-Jürgen Hafner












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Harald Anderle

eo ipso
16.03. - 06.04. 2019

opening 15. 03. 2019    19 - 22 Uhr

 

 
 



an den bruchlinien, trennlinien.. berührungspunkte, schnittflächen, pinselstriche..

wirklichkeit ist arbeit an sich selbst..

eo ipso 
harald anderle, wien, 2019







Fotos: Stefan Lux





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Moser & Hummer

MEMBRANES ONLY
11.11. - 01.12. 2018

 
 

Produktion Michael Moser / Nik Hummer und FOX 
in Kooperation mit Wien Modern






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