Nadim Vardag

Neue Ordnung
14.09. - 04.10. 2019

opening 13. 09. 2019    18 - 21 Uhr

 
 
 
:D



Wenn auf Alte Muster, die letztjährige Ausstellung von Nadim Vardag in der Georg Kargl Box, nun eine Schau mit dem Titel Neue Ordnung folgt, ist es beinahe unmöglich der Versuchung zu widerstehen, dies als eine Form der ‚Titelpolitik’ zu interpretieren. Kein Wunder, gehören doch Titel – und all die anderen, sozusagen rituellen, Begleiter von Ausstellungen wie Einladungskarten, Poster oder Pressetexte samt der demonstrativen Nennung von Künstlernamen – zum festen Inventar dessen, was Alexander Alberro anhand der konzeptuellen Projekte der Künstler um Seth Siegelaub Ende der 1960er Jahre im Nachhinein als politics of publicity beschrieben hat. Nicht, dass es damit sein Bewenden gehabt hätte. Im Gegenteil hat sich die Situation heute dahingehend sogar noch verschärft, indem die einst instrumentellen politics of publicity unter aufmerksamkeitsökonomischem Druck insgesamt an die Stelle der Kunst, vom sekundären Rang auf den ersten Platz gerückt und somit substanziell geworden  sind. Die Kunst als System wurde damit zur visuellen Kommunikation, Kunstwerke manifestieren sich als Grafikdesign und social media-Kanäle flankieren diesen Zustand als eine neue Form individuellen Expressionismus’.  

Nadim Vardag weiß über solche Zusammenhänge natürlich Bescheid. Umso perfider allerdings, dass ich bisher keinen Weg gefunden habe, seinem veröffentlichungspolitischen Manöver nicht auf den Leim zu gehen. Dass ich die beiden Titel Alte Muster und Neue Ordnung entsprechend also im Sinne einer Entwicklungslogik lese, bei der aufs ‚Alte’ bekanntlich meist das ‚Neue’ folgt – wobei Neues in der aktuellen Ära des vielbeschworen Disruptiven nicht zwangsläufig Fortschritt sondern geradezu annoyingly oft Regression bedeutet: bei Start-ups und in der Kunst.

Und auch der Schritt vom ‚Muster’ zur ‚Ordnung’ macht mich nicht glücklicher, auch wenn dieser Schritt eine wesentlich vielversprechendere Form der Entwicklung als die von ‚alt’ nach ‚neu’ birgt. Musik ist nämlich dann drin, wenn sich ein kategorialer Lagenwechsel anzeigt. Selbst wenn wir uns in einem semantisch immer noch einigermaßen kohärenten Feld aufhalten, mögen Muster zwar, um als solche identifiziert werden zu können, Ordnungen folgen aber nicht jede Ordnung lässt automatisch auf ihr Muster durchblicken. Doch wer, außer Profilern, blickt da noch durch?

Die aktuelle Ausstellung im FOX bringt (nicht ganz so) Altes – druckgrafische Arbeiten mit dem Motiv des ‚Knotens’, gewebe- oder eben knotenartigen Strukturen, die in ähnlicher, älterer Form schon in der Box zu sehen waren – mit neuen Arbeiten zusammen, die – wie es sogenannte ungegenständliche Kunst gerne ist – sich nicht entscheiden mögen, ob sie nun lieber ‚Bild’ oder ‚Objekt’ sind und jedenfalls aus Material gemacht wurden, das üblicherweise Bilder von ihrer Umgebung abzugrenzen hilft: Rahmenleisten nämlich. Das ist in line mit früheren Arbeiten Vardags, die ins Zentrum des künstlerischen Geschehens geholt haben, was üblicherweise eher an dessen Peripherie und da an der Außenkante zur Kunst liegt: Verpackungskisten etwa, Stell- und Hängevorrichtungen, die uns gezeigt haben, was alles immer schon den Blick mitkonditioniert hat, wenn der oder die Sehende denkt, gerade Kunst gespottet zu haben. Nachdem Disruption, wie gezeigt, allerdings nicht automatisch Progression bedeutet, kann das als Akt und Verweis sehr wohl immer noch lustig sein, speziell, wenn man das prekäre Verhältnis von Muster und Ordnung nicht aus dem Auge verliert.


Text: Hans-Jürgen Hafner












Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Fr 18 bis 21Uhr
und JEDERZEIT nach Vereinbarung!

Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von:

 

Harald Anderle

eo ipso
16.03. - 06.04. 2019

opening 15. 03. 2019    19 - 22 Uhr

 

 
 



an den bruchlinien, trennlinien.. berührungspunkte, schnittflächen, pinselstriche..

wirklichkeit ist arbeit an sich selbst..

eo ipso 
harald anderle, wien, 2019







Fotos: Stefan Lux





Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Sa 15 bis 20 Uhr
und JEDERZEIT nach Vereinbarung!

Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von:

 

 

Moser & Hummer

MEMBRANES ONLY
11.11. - 01.12. 2018

 
 

Produktion Michael Moser / Nik Hummer und FOX 
in Kooperation mit Wien Modern






Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Sa 15 bis 20 Uhr
und nach Vereinbarung!

Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von:

 

 

Elisabeth Kihlström

COURAGE, MON AMIE
25.10. 2018

 






 











 

Courage, mon amie is a performance that weaves together interviews with artists 
and designers about their live-and-work spaces, Kihlström’s own writing and fragments 
of the bibliography she compiled. Together they construct the room of a single dweller, her 
office for living. The voices are mixed with the urban fabric and the echo of history, mapping 
out a system that allows us to live alone together. Rest-Work-Leisure-Dressing: days in the cave.

Do 25.. Oktober 2018   19.00 Uhr


 


 
 










Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Fr 15 bis 20 Uhr
und nach Vereinbarung!

Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von:



Adrian Williams

 POEM AUTOMATON
15.09. - 05.10. 2018






Adrian Williams "Poem Automaton”

When Adrian shows me the pictures she’s going to show in her exhibition in Vienna, I immediately think of death. Because in these black and white photographic prints it is almost always somehow present. Stirring in a kind of blank space at the pictures center it looks as if someone has just (perhaps following a final phone call) ascended to heaven. That she or he, might have been swallowed by the lights reflection, absorbed - so beautiful and present are these ripped-out, white raster gaps, and all the more meaningful within them there alongside lonely landscapes and a prickly cactus’ realm. At once there is a bright specter facing the observer, then another, a figurative sculpture illuminating beings from beyond the afterlife, radiating as it would an Egyptian burial ground.
Perhaps for me, a somewhat delicate soul, the association with death arises from the fact that in many other works by Adrian Williams this seems to be a reoccurring concern. In one play ("Once Removed", 2014), the male protagonist, played by a female actress, struggles to makes sense of the impending death of his (her) brother. He is tasked with giving his brother permission to take his own life, to die before God, the law, and the whole world. Somehow, he owes his brother this debt. In another work, (“A Bed in The Hall", 2012) a man has convinced himself that he’s thrown another man from a window (or was it a building cornice, or a kind of French balcony - I don’t quite remember exactly, the character in the story was drunk ).
Somehow it doesn’t surprise me that a "Poem Automaton" speaks into this exhibition and installation: vocalized generic texts, not living, biological, or produced from the gut as by a purely intellectual process of the artist. No one knows when they will ultimately die. These poems are created in the manner of the surrealists "Cadavre exquis", "Delicious corpse" or "Delicious carcass", as one might say here in Austria. In line with the method of André Breton, initiated not only for the creation of images (familiar to us today), but a form that was also a text machine. One paints or writes just one / one element of content on a sheet of paper and folds it so that the person to whom the sheet is forwarded cannot see the previous content when adding the next piece. Body accumulations, collages, lumps and sculptures are created automatically. In Adrian's version, folders with different orientations ("sound", “subject", “purpose”, and “silence”) are organized on a computer, and filled with the artists voice recorded potential word combinations. An algorithm grabs random files from the respective folders and establishes new units strung together like pearls. Here at "Fox" a specific poem is created, prescribed to change with its next use. Inevitably it will have a different rhythm, chance delivering another chain of phrases. The automaton can also contain other source folders, expanding its potential, and may one day voice a love poem.1
When you play "Cadavre exquis", first one person, then the other trusts that after the head, for example, a body - and not the feet - will be drawn. However, it seems to me that the protagonists in Adrian's works are more likely toward self- determined actions than cooperation. In another story of hers ("The Right Triangle", 2007), which I now recall and which like those already mentioned I recommend reading, two women unknowingly share a single heating system and so the life of the one is unwillingly controlled by the other, leaving them existentially co-dependent. There is a parallelism of actions and matter, also materials, I might say, that could again generate new actions. For example the series of paper works ("Routines", since 2010), in which Adrian writes mini-narratives by hand associatively to images taken from a rich stock of her photographic snapshots. These narrative fragments are not about death per se, but often about an otherness, a whimsy, or some particular quality that inevitably excludes these fictional persons from their surrounding social order. In this way, they are quasi-dead.
While listening to the "Poem Automaton" an ever-re- instigated process, you sit on an amphitheater-like seating arrangement made up of discarded sofas. It is not a sculpture that tries to cover up its origins, nor does it promote such an arrangement in the self-made process à la hipster interior. Rather, one sees the individual parts of the unpretentious process of creation and at the same time resides in the well- known form of a staircase theater: parallelism of the materials on which one sits, parallelism of the words and sentences to which one listens.
I mention now much older works by Adrian, although I know that she can’t stand that: There were once performances that imitated variety shows and carnival acts. Actual competitions in which the audience participated. "Écriture automatique" is now a process that opposes this format, deliberately avoiding feelings such as competition. The automatic writing process ultimately argues for non-trust, but also for a non- accountability to any social conventions and norms, it makes them non-existent. If one takes the automaton method seriously as an artist, with all it’s fictions and illusions, new narratives arise in this setting. Whether these are less or more compelling than those produced differently - about this one is at once, and with the more time spent with the somewhat eerie "Poem Automaton", no longer safe. Poems and stories can appear as drops of water on the windshield of a car at dusk that we recognize as they move on in a self-determined manner and then, like the figures cast on wallpaper emerging in the dark as you fall asleep, suddenly stay with you. You do not have to be afraid of death. It resides in the here and now, same as the living.

Kerstin Cmelka in September 2018




 








                                         Foto: Stefan Lux

 

Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Fr 15 bis 20 Uhr
und nach Vereinbarung!

Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von:
Nicholas Hoffman
Backyardia
29.04. - 19.05. 2018

opening: 28.04-2018   19:00 Uhr



Ausstellungsansichten



 








                                               Foto: Stefan Lux


Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Sa 15 bis 21 Uhr
und nach tel. Vereinbarung!

 


Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von:


Josh Müller
Wir wollen kein Theater sondern Kino
Index 1 - 622

26. 11. - 16. 12. 2017
opening: Sa 25. 11. 2017 7pm
finis: Sa 16. 12. 2017 7pm


 
 



Wir wollen kein Theater sondern Kino* I Auszug aus Index 1 - 622
Deutschland. Bilder. Eine Sprache, die uns oft immer noch scheinbar daran hindert 
schwerelose Poesie zu formulieren, weil sie oft so direkt, ungeschmückt und spröde
einem den Atem stocken lässt… für viele immer noch die Sprache der Vollstrecker
bis in die Gegenwart. Dass wir ausgerechnet diesem Land und seinen Menschen den 
Begriff „Romantik“ zuschreiben, bewirkte einst Friedrich Schlegel, der im Wesentlichen den modernen Begriff dessen prägte und welcher sich in der bildenden Kunst z. B. in den Bildern eines Philipp Otto Runge manifestierte. Zunächst in eine Begrifflichkeit von Heimat mutiert und dem Zeitgeist angepasst, sich im wieder aufgebauten Nachkriegs-Deutschland als Gegenwelt präsentierend– der Nährboden für eine neue, nüchterne, spröde Sicht auf die Dinge – hin zu einer Sachlichkeit und Analytik, welche sich in den 70ern u. a. durch Künstler wie Rolf Dieter Brinkmann oder die Bechers formulierte. Die 68er Hippie-Revolution, Sattheit, Depression, Melancholie, Grau, Autos, Industrie, November, Verpuffungen an roten Ampeln, die ins Grün umspringen, dumpfer, mechanischer Lärm. Vom Nebel werden wir reich belohnt für unseren freiwilligen Tausch mit der Realität, denn wir erhalten dafür Magie in ihrer melancholischsten Form. Trotz allem ist er nichts anderes als eine auf dem Boden liegende Wolke. Natürlich müssen Deutsche sich betrinken, ist der Alkoholkonsum in der nördlichen Hemisphäre höher als anderswo. Sehnsucht generiert sich an Orten, diese werden zu imaginären Bühnen, die wir nicht betreten wollen, sondern vom Abseits aus betrachten, um nichts kaputt zu machen – den nötigen Abstand, um sich in Gedanken zu verlieren, sich in DIE Geschichte fallen lassen zu können. Eine gedankliche Aneignung dieser Bühne, auf der wir gerne etwas Flüchtiges inszenieren möchten, ganz für uns allein. Das Verfahren der Verpuffung bietet sich hier als elegante Lösung, eine informelle noch dazu, geradezu gestisch und nicht von langer Dauer, gerade so lange um kurz mit gebotenem Abstand einem Spektakel mit ausgelatschten Interpretationsmodi beizuwohnen. 
Ja, nein, all das kann deutsch?
Es riecht nach aufkeimender Revolte, nach einer gern okkupierten Metapher von zu ernst gemeinter Kritik ...aus einem Stillleben wird ein Film. 
Es klart wieder auf, das Standbild ist wieder eingeschaltet, jetzt kann man gehen, um wieder zu kommen und um erneut auf die Frage eine Antwort zu erhoffen und infolgedessen der Ort einem etwas Neues, Magisches preisgibt, was wir bisher nicht sehen oder wahrnehmen konnten. Ein neuer Film kann gedreht werden, wieder ohne Kamera.


Udo Bohnenberger



Wir wollen kein Theater sondern Kino* 
[We don’t want theatre, we want cinema] Samples from Index 1 – 622

Germany. Pictures. A language that frequently still seemingly inhibits us from formulating weightless poetry because it often so directly, unadorned and unwieldy takes one’s breath… for many still today the language of the executors. That we attribute Romanticism to this country and its people, of all things was once effected by Friedrich Schlegel, who coined its concept, which in fine arts is manifested in the pictures of Philipp Otto Runge, for instance. First mutated to a conception of home and adapted to contemporary zeitgeist, presenting itself as counter-world in rebuilt post-war Germany, the matrix for a new, sober, aloof point of view towards objectivity and analytics, which was framed in the 70s by artists like Rolf Dieter Brinkman or the Bechers. The hippie revolution of ’68, satiety, depression, melancholy, grey, cars, industry, November, deflagrations at red lights turning to green, muffled, mechanical noise. The fog abundantly rewards us for voluntarily swapping it with reality, for we receive magic in its most melancholic form. Nevertheless, it’s nothing other than a cloud lying on the ground. Of course, Germans have to get drunk, for alcohol consumption is higher in the northern hemisphere than elsewhere. Longing is generated in places; these become imaginary stages that we don’t want to enter but instead look at from aside in order not to break something, the required distance to lose oneself in thought, to let oneself drop into THE history – a conceptual appropriation of this stage, on which we would like to direct something ephemeral, only for oneself. The method of deflagration offers an elegant solution here, and also an informal one, virtually gestural and not lasting long; just long enough to briefly witness a spectacle with worn out modes of interpretation from a safe distance. 

Yes, no, German is able of all that?
It smells like germinal revolution, like a readily occupied metaphor for too serious criticism, a still life becomes a film.
It clears up again, the still is switched on again, now you can go, only to return and hope again for an answer to the question, and as a result the place reveals something new, magical that we couldn’t see or sense so far. A new film can be shot, once again without a camera.

Udo Bohnenberger
 
Translation: Jeanette Pacher

*The tiltle was given by Nicolas Jasmin 



 



















 foto: Pascal Petignat

Öffnungszeiten: Während der laufenden Ausstellung!
Sa 15 bis 21 Uhr
und nach tel. Vereinbarung!

 

Kontakt:
Marxergasse 16
A-1030 Wien
0043680 21 63 551
email: offspace@chello.at

 

Mit der freundlichen Unterstützung von: